Gratis trinnvis instruksjoner 
Historie: Hovedpersonens kjæreste slo opp med meg. Da mistet hovedpersonen jobben. Handling: Hovedpersonens kjæreste slo opp med ham. Hans knuste hjerte førte til at han fikk et følelsesmessig sammenbrudd på jobben, noe som resulterte i at han fikk sparken. Du må utvikle en historie som er fascinerende og beveger seg gjennom handlingen i stykket raskt nok til å holde publikums oppmerksomhet. Samtidig må du vise hvordan handlingene alle er årsakssammenhenger gjennom tomteutviklingen din. Dette sikrer at publikum føler med hendelsene som utspiller seg på scenen. 
Hvor finner historien sted? Hvem er hovedpersonen (hovedpersonen) og hvem er de viktige bipersonene? Hva er den sentrale konflikten disse karakterene står overfor? Hva er den `aktiverende hendelsen` som utløser hovedhandlingen i stykket og fører til den sentrale konflikten? Hva skjer med karakterene dine når de takler denne konflikten? Hvordan ble konflikten løst på slutten av historien? Hvordan påvirker dette karakterene? 
Hva er relasjonene mellom karakterene? Hvordan takler karakterene den sentrale konflikten? Hvilke er mest berørt av det, og hvordan påvirker det dem? Hvordan kan du strukturere historien (hendelsene) for å koble de essensielle karakterene med den sentrale konflikten? Hva er den logiske, tilfeldige progresjonen som fører hver hendelse til den neste, og jobber i en kontinuerlig flyt mot historiens klimaks og oppløsning? 
Flash-dramaer er veldig korte enakters skuespill som kan vare fra noen få sekunder til omtrent 10 minutter. De er flotte for skole- og samfunnsteaterforestillinger, samt konkurranser spesielt for flash-teater. Se Anna Stillamans `A Time of Green` for et eksempel på et flash-drama. 
For eksempler på to-akters skuespill, se `Hölderlin` av Peter Weiss eller `The Homecoming` av Harold Pinter. 
Den "utløsende hendelsen" bør inntreffe omtrent halvveis i første akt, etter at bakgrunnen til historien er avslørt. Etter den utløsende hendelsen bygger flere scener opp spenningen for publikum - enten det er dramatisk, tragisk eller komisk. Disse scenene bør jobbe mot et konfliktpunkt som vil avslutte første akt. Lukk første akt like etter det høyeste spenningspunktet i historien i det øyeblikket. Publikum vil gå inn i pausen med forventning og komme tilbake spente til andre akt. Start andre akt ved et lavere spenningspunkt enn der første akt stoppet. Hensikten er å sakte føre publikum tilbake inn i historiens konflikt. Presenter flere scener i andre akt som øker innsatsen i konflikten til historiens klimaks (det høyeste punktet for spenning og konflikt), like før slutten av stykket. Slapp av publikum på slutten med den synkende handlingen og en avslutning eller oppløsning. Selv om ikke alle skuespill trenger å ha en lykkelig slutt, skal publikum føle det som om spenningen du bygget opp i stykket har blitt oppløst. 
Akt 1 er utstillingen: Ta deg tid til å introdusere karakterene og gi bakgrunnsinformasjon. Få publikum til å føle empati med hovedpersonen og hans eller hennes situasjon, for å fremkalle en sterk følelsesmessig respons når ting går galt. Første akt skal også introdusere problemet som vil utvikle seg i resten av stykket. Akt 2 er komplikasjonen: Innsatsen blir høyere for hovedpersonen ettersom problemet blir vanskeligere og vanskeligere å håndtere. En god måte å gjøre situasjonen mer alvorlig i andre akt er å avsløre et viktig stykke bakgrunnsinformasjon rett før klimakset av akten. Denne åpenbaringen bør så tvil i hovedpersonens sinn før han eller hun finner styrken til å jobbe seg gjennom konflikten for å løse den. 2. akt burde ende med lite håp, med hovedpersonens planer knust. 3. akt er løsningen: Hovedpersonen overvinner hindringene i andre akt og finner en måte å komme til avslutningen på stykket. Merk at ikke alle skuespill har en lykkelig slutt; helten kan dø som en del av denouementet, men publikum må kunne lære noe av det. Eksempler på treakters skuespill inkluderer Honore de Balzacs "Mercadet" og John Galsworthys "Pigeon: A Fantasy in Three Acts". 
Ikke vær redd for å bruke setningsfragmenter. Selv om vi har lært å aldri bruke tekstbiter når vi skriver, bruker vi dem alltid når vi snakker: «Jeg hater hunder. alle hunder. 
Anropssignaler: [lang, vanskelig stillhet] Fysisk handling: [Silas reiser seg og går nervøst]; [Margaret biter negler] Følelsesmessig tilstand: [engstelig], [Entusiastisk], [henter den skitne skjorten som om jeg er kvalm] 
Selv når du legger til detaljer, husk at Delete-tasten er din beste venn. Som Donald Murray har sagt, må du "utelate det som er dårlig for å avsløre hva som er bra". Fjern all dialog og hendelser som ikke tilfører stykkets følelsesmessige resonans. Forfatteren Leonard Elmores råd gjelder også for skuespill: "Prøv å utelate de delene som leserne er fristet til å hoppe over".
Skrive manus til et teaterstykke
Innhold
Du har en idé til et skuespillmanus - kanskje en veldig god idé. Du ønsker å utvide den til en komisk eller dramatisk historie, men hvordan? Selv om du kanskje vil begynne å skrive med en gang, hvis du bruker tid på å utdype historien før du starter et første utkast, vil stykket bli mye sterkere. Etter at du har brainstormet historien din og skissert historiens struktur, vil det virke mye mindre skremmende å skrive skuespillet ditt.
Trinn
Del 1 av 3: Brainstorming din historie
1. Bestem hva slags historie du vil fortelle. Mens hver historie er forskjellig, faller de fleste skuespill inn i kategorier som hjelper publikum å forstå hvordan de skal tolke relasjonene og hendelsene de ser. Tenk på karakterene du vil beskrive, og vurder deretter hvordan du vil at historiene deres skal utfolde seg. Skal de:
- Løs et mysterium?
- Går gjennom en rekke vanskelige hendelser for å oppnå personlig vekst?
- Å vokse opp ved å gå ut av barndommens uskyld gjennom opplevelser i omverdenen?
- Ta en reise, som Odyssevs` farefulle reise inn Odysseen?
- Skaper orden i kaos?
- Overvinne noen hindringer for å nå et mål?
2. Brainstorm de grunnleggende delene av historiebuen din. Historiebuen er progresjonen av stykket gjennom begynnelsen, midten og slutten. De tekniske termene for disse tre delene er utstilling, stigende handling og oppløsning eller oppløsning, og de er alltid i den rekkefølgen. Uansett hvor lenge spillet ditt er eller hvor mange handlinger det er, vil et godt skuespill utvikle alle tre brikkene i dette puslespillet. Før du begynner å skrive skuespillet ditt, tenk på hvordan du vil konkretisere hver av disse.
3. Bestem hva som skal inkluderes i utstillingen. Utstillingen åpner et skuespill ved å gi de grunnleggende dataene som trengs for å følge historien: når og hvor finner denne historien sted? Hvem er hovedpersonen? Hvem er sekundærkarakterene, inkludert antagonisten (personen hovedpersonen presenterer sin sentrale konflikt), hvis det er en? Hva er den sentrale konflikten disse karakterene står overfor? Hvordan er stemningen i dette stykket (komedie, romantisk drama, tragedie)?
4. Lag overgangen fra utstillingen til den stigende handlingen. I den skyhøye handlingen utspiller hendelsene seg på en måte som gjør omstendighetene vanskeligere for karakterene. Den sentrale konflikten blir tydeligere ettersom hendelsene forsterker spenningen for publikum. Denne konflikten kan manifestere seg med et annet tegn (antagonist), med en ytre tilstand (krig, fattigdom, separasjon fra en elsket) eller med seg selv (for eksempel å overvinne sin egen usikkerhet). Den skyhøye handlingen kulminerer i historiens klimaks: øyeblikket med den høyeste spenningen, når konflikten hersker.
5. Bestem hvordan konflikten skal løses. Resolusjonen frigjør spenningen i den store konflikten for å lukke historiebuen. Har du en lykkelig slutt, hvor hovedpersonen får det han/hun vil ha; en tragisk avslutning der publikum lærer noe av hovedpersonens fiasko; eller en denouement, hvor alle spørsmål er besvart.
6. Forstå forskjellen mellom handling og historie. Historien om skuespillet ditt er satt sammen av plottet og historien – to separate elementer som må utvikles sammen for å skape et skuespill som fanger publikums oppmerksomhet. E.m. Forster definerer historien som det som skjer i stykket - den kronologiske utviklingen av hendelser. Plot, på den annen side, kan betraktes som logikken som forbinder hendelsene som utspiller seg og gjør dem følelsesmessig kraftige. Et eksempel på forskjellen:
7. Utvikle historien din. Du kan ikke utdype den følelsesmessige resonansen til handlingen før du har en god historie. Brainstorm de grunnleggende elementene i historien før du faktisk skriver ved å svare på følgende spørsmål:
8. Utdype historien din med plottutvikling. Husk at plottet utvikler forholdet mellom alle elementene i historien som nevnt i forrige trinn. Når du tenker på handlingen, bør du prøve å svare på følgende spørsmål:
Del 2 av 3: Bestem strukturen til spillet ditt
1. Begynn med et enakter hvis du akkurat har begynt å skrive skuespill. Før du begynner å skrive stykket, bør du ha en idé om strukturen. Enakteren fortsetter uten pauser, og er et godt sted å starte hvis du ikke har skrevet et stykke før. Eksempler på enakters skuespill inkluderer `The Bond` av Robert Frost og Amy Lowell, og `Gettysburg` av Percy MacKaye. Selv om enakters stykket har den enkleste strukturen, er det fortsatt slik at alle historier krever en historiebue med eksponering, økende spenning og oppløsning.
- Siden enakters skuespill ikke har noen pauser, krever de enklere sett og kostymeskift. Hold dine tekniske krav enkle.
2. Ikke begrens lengden på enakters skuespill. Enakters struktur har ingenting med forestillingens varighet å gjøre. Slike stykker kan variere mye i lengde, med noen produksjoner som er så korte som 10 minutter og andre over en time lange.
3. Lag mer komplekse sett med et to-akters skuespill. Et to-akters stykke er den vanligste strukturen i samtidsteater. Selv om det ikke er noen regel for hvor lenge hver virksomhet skal vare, vil hver virksomhet kjøre i omtrent en halvtime, noe som gir publikum en pause. Pausen gir publikum tid til å gå på do eller bare slappe av, reflektere over hendelsene på scenen og diskutere konflikten i første akt. I tillegg kan det gjøres store endringer bak kulissene på settet, kostymer og sminke. Pauser varer vanligvis rundt 15 minutter, så sørg for at mannskapsoppgavene er rimelig håndterbare innen den tiden.
4. Juster plottet for å passe innenfor to-aktsstrukturen. Strukturen til et to-akters stykke endrer mer enn bare hvor lang tid mannskapet ditt trenger for å gjøre tekniske justeringer. Siden publikum har en pause midt i stykket, kan man ikke behandle historien som én sammenhengende fortelling. Du må forme historien din rundt pausen, for å holde publikum i spenning og full av forventning på slutten av første akt. Når publikum kommer tilbake fra pausen, bør de umiddelbart bli sugd tilbake inn i historiens økende spenning.
5. Skriv lengre, mer komplekse plott med en treakters layout. Hvis du er ny på å skrive skuespill, kan det være lurt å begynne med en en- eller to-akters skuespill, ettersom et skuespill i tre eller to akter skal kunne fengsle publikum i opptil to timer! Det krever mye erfaring og dyktighet for å sette sammen en produksjon som kan fengsle et publikum så lenge, så det kan være lurt å sette ambisjonene litt lavere først. Men hvis historien du vil fortelle er kompleks nok, kan et treakters skuespill være det beste valget. I likhet med to-akters stykket er det større mulighet for store endringer i sett, kostymer osv. i pausene mellom bedriftene. Hver handling i stykket må oppnå sitt eget historiemål:
Del 3 av 3: Å skrive skuespillet ditt
1. Planlegg selskapene og scenene. I de to første delene av denne artikkelen brainstormet du dine grunnleggende ideer angående historiebuen, historien og plottutviklingen og strukturen til stykket ditt. Nå, før du setter deg ned for å skrive stykket, må du sette alle disse ideene i en pen disposisjon. For hvert selskap angir du hva som skjer i hver scene.
- Når blir de viktige karakterene introdusert?
- Hvor mange forskjellige scener har du, og hva som skjer spesifikt i hver scene?
- Sørg for at hendelsene i hver scene bygger opp til neste scene for å oppnå plottutvikling.
- Når er endringer nødvendig i settet? Kostymeendringer? Ta denne typen tekniske elementer i betraktning mens du skaper en oversikt over hvordan historien din vil utfolde seg.
2. Få oversikten din ved å skrive skuespillet ditt. Når du har laget disposisjonen din, kan du begynne med selve spillet. Lag den grunnleggende dialogen først på siden, uten å bekymre deg for hvor naturlig dialogen høres ut eller hvordan skuespillerne skal bevege seg rundt på scenen og gi sine forestillinger. Du vil ganske enkelt "få det første designet i svart og hvitt", som Guy de Maupassant sa.
3. Arbeid med å skape en naturlig dialog. Du ønsker å gi skuespillerne dine et solid manus slik at de kan levere teksten på en måte som fremstår som menneskelig, ekte og følelsesmessig kraftig. Ta opp deg selv når du leser teksten til det første utkastet ditt høyt, og lytt deretter til opptaket. Legg merke til punkter der du høres mekanisk eller for storslått ut. Husk at selv i et litterært skuespill må karakterene dine fortsatt høres ut som normale mennesker. De skal ikke høres ut som om de holder fancy taler mens de klager på jobbene sine over middag.
4. La samtaler ta sidespor. Når du snakker med vennene dine, vil du sjelden holde deg til ett emne. Mens samtalen i et teaterstykke skal styre karakterene til neste konflikt, er det lurt å gjøre en samtale realistisk med små avledninger. For eksempel, i en samtale om hvorfor hovedpersonens kjæreste slo opp med deg, kan det være en to- eller trelinjers sekvens der foredragsholderne krangler om hvor lenge de hadde vært sammen i utgangspunktet.
5. Ta med pauser i dialogen. Selv når vi ikke er frekke, avbryter folk hverandre i samtalen, selv om vi bare ønsker å uttrykke vår enighet, for eksempel "Helt enig, mann" eller "Nei, du har helt rett". Folk avbryter også seg selv ved å bytte emne i sine egne setninger: "Jeg tror bare - jeg mener jeg har egentlig ikke noe imot å kjøre dit på lørdag, det er bare det - vel hør her, jeg har bare jobbet veldig hardt i det siste".
6. Legg til scenesignaler. Sceniske signaler hjelper skuespillerne til å forstå din visjon om hva som skjer på scenen. Bruk kursiv eller firkantede parenteser for å gi sceneanvisningene dine atskilt fra den talte dialogen. Mens skuespillerne bruker sin egen kreative sans for å bringe ordene dine til live, er det visse spesifikke ledetråder du kan gi, for eksempel:
7. Skriv om versjonen din så ofte som nødvendig. Du vil ikke umiddelbart ha stykket ditt klart med den første versjonen. Selv erfarne forfattere utarbeider ulike konsepter av et skuespill før de er fornøyd med sluttproduktet. Ikke forhast deg selv! Med hver versjon vil du legge til flere detaljer, som vil bidra til å bringe produksjonen din til live.
Tips
- De fleste skuespill er satt til et bestemt tidspunkt og sted, så vær konsekvent. En karakter i 30-årene kan ringe eller sende et telegram, men ikke se på TV.
- Se gjennom ressursene på slutten av denne artikkelen for riktig formatering av spillet ditt, og følg etablerte retningslinjer.
- Sørg for at du alltid fortsetter, og hvis du har glemt replikkene dine under en forestilling, gjør noe opp! Noen ganger er den enda bedre enn originalteksten!
- Les manuset høyt for et lite publikum. Skuespill er basert på ord, og deres kraft eller mangel på dem blir raskt tydelig når de blir sagt.
- Ikke la stykket ligge på et stille sted, men gjør det klart for verden at du er forfatter!
- Skriv mange versjoner selv om du er fornøyd med ditt første utkast.
Advarsler
- Teaterverdenen er full av ideer, men sørg for at håndteringen din av en historie er original. Å stjele en annens historie er ikke bare moralsk dårlig, men vil nesten helt sikkert bli oppdaget.
- Du vil oppleve avvisning langt oftere enn stykket ditt vil bli akseptert, men ikke bli motløs. Hvis du er lei av at en av skuespillene dine blir ignorert, skriv en annen.
- Beskytt arbeidet ditt. Sørg for at tittelsiden til skuespillet inneholder navnet ditt og året du skrev stykket, med opphavsrettssymbolet foran: ©.
Artikler om emnet "Skrive manus til et teaterstykke"
Оцените, пожалуйста статью
Populær
